Descubre + Música - Un Universo por Escuchar

Pienso que es momento para dar espacio en este blog de música al producto nacional. Los lectores habituales quizás ya se habrán coscados que la música rock español en general no es algo que me vuelve loco. Dicho esto, hay numerosas bandas que son llamativos, y con el 2022 llegando a su fin, hoy toca a destacar una banda (y un disco) que me ha llamado la atención. La formación es "Ballena" y el álbum es "Fuerteamor"

ALBUM: Fuerteamor

 
El tercer álbum de la banda española (Málaga) "Ballena" publicado 17 de julio del 2022. Es un disco grabado en "La Cabaña" por José Manuel Cárdenas y producido por él mismo junto al grupo. Los miembros de "Ballena" describen su trabajo como historias del día a día, el desgaste de la rutina, los apuros económicos, la pasión por la música…, es decir, sobre lo cotidiano y la vida misma. Dicho esto, hay once canciones que básicamente hablan del amor, como indica el título, y esto me vale.

Tomamos temas como “Caminito”, un guiño al amor materno, "MApH" el amor en el plano de amistad y “Dolores” amor oscura, y como no, hay sobre las relaciones tóxicas en “La Gracia Clásica”, de la reconciliación en “Sassenach”, y el amor sobre nuestros hijos, “Máquina del Tiempo”. Después nos queda el amor de colegas y del grupo (la banda) en “Hijo del Vudú” y cómo amarse dentro de una banda. Siguen tocando diferentes palos sobre amor con “Estatua de Sal” el amor sin maltrato y, en “Mano Rota” y “Semana Ballena” la ironía.

Saliendo de las narrativas, lo que me tiene enganchado son las melodías, y los arreglos sutiles, el toque "jangle", aparte tocan de p*ta madre. Si no conoces a estos chicos, y eres fan de bandas como "Viva Suecia" y "Niños Mutantes", te va a gustar este trabajo. A mi me encanta, y eso que siempre he sido muy crítico con la música española.

Un disco recomendado. Poesía pop de la experiencia, de sonrisas y lágrimas. Un álbum que muestra los distintos caminos del querer, esas que, tarde o temprano, recorremos a lo largo de nuestras vidas. Un disco que definitivamente está dentro de los mejores lanzamientos del panorama nacional para 2022.

Video del tema "Maquina del Tiempo":

Tracklist:

1. Máquina del Tiempo
2. La Gracia Clásica
3. Mano Rota
4. Dolores
5. Semana Ballena
6. Estatua de Sal
7. MApH
8. Hijo del Vudú
9. Sassenach
10. Juntos
11. Caminito  

La banda:

• Miguel (guitarra y voz), 
• Juande (batería) 
• Alejandro (guitarra) 
• Sixto (teclado) 
• Alfonso (bajo)

Una noche, Miles Davis acompañó a regañas a su entonces esposa Frances Taylor a ver al bailarín de flamenco español Roberto Iglesias. Estaba tan impactado por la actuación y de esta tradición musical "extranjera" que fue a una tienda de discos y compró todos los discos disponibles de flamenco. El resultado final fue....

ALBUM: Sketches of Spain

 
Grabado entre noviembre de 1959 y marzo de 1960, este disco es una versión ampliada del segundo movimiento del "Concierto de Aranjuez" (1939) del maestro Joaquín Rodrigo, además de incluir una pieza llamada "Will o' the Wisp", del ballet de Manuel de Falla, "El amor brujo" (1914-1915).

Publicado oficialmente el 18 de julio de 1960. Es cerebral, atmosférica, inquietante, melancólica y, en ocasiones, ambiental. Además, el arte de la portada del álbum es fantástico. La historia cuenta que Miles Davis le entregó a Evans la pieza emblemática del álbum, "Concierto de Aranjuez", después de escuchar una versión clásica en la casa del bajista Joe Mondragon. Evans estaba tan cautivado como Davis, y se dispuso a crear un álbum completo de material a su alrededor. El resultado es una obra maestra del arte moderno.

"Sketches of Spain" es uno de los logros más duraderos e innovadores de Miles Davis. También se considera una grabación ejemplar de "Third Stream", una fusión musical de jazz, música clásica europea y estilos de músicas del mundo. Grabado después de que John Coltrane y Cannonball Adderley dejaran la banda de Miles Davis, Davis se asoció con el genio arreglista canadiense Gil Evans, quien adaptó las obras y dirigió. Por cierto, las otras dos colaboraciones importantes de Miles-Gil Evans son "Porgy and Bess" y "Miles Ahead". 

En la pieza "Concierto de Aranjuez" (originalmente escrita para guitarra española y orquesta) el arreglo de Evans fusionó orquesta y una banda de jazz; con Paul Chambers, Jimmy Cobb y Elvin Jones. La pieza interpretada por Davis en un fiscorno con una sordina Harmon es una de las obras más memorables de la cultura popular del siglo XX. El control de Davis sobre su instrumento es asombroso, y la dirección de Evans es impecable. También la pieza "Saeta" es impresionante con uno de los solos técnicos más sorprendentes de la carrera de Davis, junto con el cierre del álbum, "Soleá" (aquí la música se detiene y Miles hace un solo en simpatía con la estatua de cristo que se transporta a través de un imaginario pueblo español es un epíteto). Cobb y Jones, con percusión sabor a flamenco, se destacan aquí, ya que permiten que la orquesta se entregue al arreglo apasionado que Gil Evans proporcionó para acompañar a Davis, quien claramente estaba en su momento más desafiante. Se trata de un músico de jazz americano que toca algo totalmente fuera de su género habitual y lo hace de forma soberbia. Aquí estaba el genio de Miles Davis, un músico que siempre miraba hacia adelante, probando cosas nuevas, explorando nuevas ideas y evolucionando para siempre. Miles entiende la universalidad de la música.

"Sketches of Spain" es quizás también la grabación más lujosa y estridentemente romántica que jamás haya hecho Miles Davis. Escucharlo ahora sigue siendo una experiencia, ya que uno se encuentra con una multitud de timbres, tonalidades y estructuras armónicas que rara vez se encuentran en el jazz. De hecho, para aquellos a quienes les resulta difícil escuchar música de jazz, este disco lo hace todo comprensible y fácil. Muchos han abrazado el jazz (y Miles) comenzando con este álbum.

Un disco recomendado. Este álbum es un logro artístico. Otros trabajos enormes de Miles Davis son la obra maestra "Kind of Blue", "Birth of the Cool", "In a Silent Way" y "Bitches Brew" (por nombrar sólo cuatro), sin embargo, desde la perspectiva de las habilidades puramente técnicas, esto es probablemente Miles Davis en su mejor momento, empujado al límite de sus considerables habilidades y conquistando el desafío con éxito. Es una obra maestra verdaderamente única en el arte.

Término, tal vez sea una ilusión, pero me emocionaría saber que un lector más joven (menos de 30 años), solo uno, que no está familiarizado con Miles o Jazz, en realidad se tomó el tiempo y buscó este disco para escucharlo y descubrir algo increíble. Quizás, si es tu caso, me lo puedas hacer saber con un comentario.

Video del tema "Solea" (sonido en mono):

Tracklist (LP original):

Cara A: 

1.         "Concierto de Aranjuez (Adagio)"    Joaquín Rodrigo         16:19
2.         "Will o' the Wisp"       Manuel de Falla          3:47 

Cara B:

1.         "The Pan Piper (Alborada de Vigo)" Traditional, Gil Evans            3:52
2.         "Saeta"            Traditional, Gil Evans            5:06
3.         "Solea"            Gil Evans        12:15

Una breve historia:

McEnroe es un grupo de rock indie y de tono melancólico (slowcore) cuyas canciones tienen letras en español que a menudo cantan del amor y el desamor. El grupo se formó en 2002 en Getxo (Vizcaya). Sus componentes iniciales fueron: Ricardo Lezón (voz y bajo), Gonzalo Eizaga (guitarra), Jaime Guzmán (guitarra) y Eduardo Guzmán (batería).

Soy un admirador del grupo y les llevo años siguiendo. El disco "La Distancia" de 2019 me mola, recomiendo que lo busques. Ahora ponen en la calle un EP muy especial de temas seleccionados y reinterpretados para celebrar el 20 aniversario de la banda con la impresionante voz de Jimena Lezón. El cambio es magnífico, la voz de Jimena añade más emoción si cabe y delicadeza. El resultado es muy hermoso. 

EP: Viente (featuring Jimena)

El cuarteto vasco ha publicado un nuevo EP (1 de Julio) de cuatro canciones, con la voz de Jimena Lezón (hija del cantante Ricardo Lezón). Hay una razón especial para este lanzamiento, este año (2022) se cumplen 20 años de la formación de "McEnroe".

Video del tema "Montreal" con Jimena:

Joana Serrat (Cantante)

Canta en inglés, es catalana y ya lleva publicados cinco discos. Cosa que me llamó la atención después de descubrirla este mismo año. Su sonido y oferta es delicioso, se entiende que haya trabajado con productores de renombre como Howard Bilerman (de Arcade Fire) y músicos como Neil Halstead, por ejemplo. Pienso que ven algo musicalmente muy especial en ella, igual que pienso yo.

Una breve historia:

Su nombre es Joana Serrat (nacida en Vic, 1983) y es una cantante española de estilo folk, aunque su último álbum es una auténtica belleza de dream pop.

Su primer disco, fue autoeditado y titulado "The Relief Sessions" (2012). En 2014 publica "Dear Great Canyon" a través del sello "El Segell del Primavera". Este segundo trabajo fue producido por Howard Bilerman (de fama "Funeral" de Arcade Fire), y fue un avance en estilo y notoriedad. Desde entonces sus canciones comienzan a sonar regularmente tanto en emisoras españolas como en la BBC británica, la BBC escocesa y la ABC (la Radio Nacional de Australia). La revista musical británica "New Musical Express" (N.M.E.) la incluye en su sección para nuevos talentos.

Con cada disco siguió confirmando trabajo tras trabajo su espléndida trayectoria y evolución. He tomado el tiempo para divulgar entre sus discos y se escucha un cambio progresivo del estilo folk hacia un sonido pop fusionado con sonidos shoegaze-dream.

La discografía de Joan Serrat hasta ahora:

•  2012: The Relief Sessions (autoeditado).
• 2014: Dear Great Canyon
• 2016: Cross the Verge
• 2017: Dripping Springs
• 2021: Hardcore from the Heart

Descubrí a Joana Serrat con su último álbum, "Hardcore from the Heart", una obra encantadora. Tanto que es uno de los mejores discos del 2021 de un artista español, bajo mi criterio.

ALBUM: Hardcore from the Heart

Quinto álbum publicado el 11 de junio del 2021.

El álbum lleva el nombre de un libro de la sexóloga y ensayista Annie Sprinkles, está empapado de vibraciones veraniegas con voces folk e instrumentación de dream-pop que se arremolina y repica a través de "paredes de sonido" (overdubs).

Ha creado una gran obra. Un disco de indie contemporáneo preciosista con un ligero y atractivo barniz pop. Música absorbente y de grandes evocaciones oníricas en él que participan músicos que provienen de las bandas Midlake y Mercury Rev; y otros que acompañan a artistas como Rufus Wainwright, St. Vincent, Sharon Van Etten o John Grant.

El álbum comienza sobre la pérdida, y termina con la aceptación de la imposibilidad de lograr una vida ideal, examinando el desequilibrio que existe entre la vida vivida y el ideal buscado reflejando el viaje matizado, emocional e introspectivo que persigue Serrat en sus letras y música. Serrat se abre no solo emocionalmente sino musicalmente.

Los temas que completan este disco dan una idea de la amplitud de la imaginación e inspiración musical de Joana Serrat. Estableciendo el plano de gran parte del álbum, las cálidas capas de teclado y guitarras del primer tema "Easy" hacen referencia tanto a Cocteau Twins como a Jesus and Mary Chain; la voz de Serrat brilla con un tono folklórico, y en otras ocasiones se tiñe de tonos angélicos. Mientras que en "Wild Beast", ella está en forma más "country", asintiendo hacia el corazón del folk-americano con instrumentación acústica complementada con voces que evocan a Joan Baez. Una ventaja para este disco es que el grupo de músicos que acompañan a Joan Serrat suena genuinamente como un colectivo, basándose en sus amplias influencias y experiencias para crear una frescura en todo el disco. Es verdaderamente una escucha absolutamente maravillosa.

Hay también remolinos instrumentales del teclado de uno de los músicos invitados, Jesse Chandler en "You’re With Me Everywhere I Go", con voz clásica que le da a Serrat un toque muy personal. Con un power pop impulsado por la batería, el tema "Pictures" también está dominado por las influencias de los años 80, todo coronado por la voz suplicante de Serrat, la tristeza expresiva y la frustración hirviente que aseguran que sea su propia marca lo que está dejando.

Realmente parece un encuentro perfecto de mentes cuando la banda se mueve sin esfuerzo de atmósferas expansivas explorando la nostalgia por el hogar a temas nostálgicos como "Summer Never Ends", donde la guitarra acústica y melodías reflectantes están relucientes. El arreglo austero e insistente de "Take Me Back To Where I Belong" pone en primer plano la declaración de necesidad, dolor y abandono de Serrat, con su interminable bucle de teclas, guitarra y batería. 

Un disco recomendado. Estamos ante un álbum emocionalmente desgarrador y purificador sin pretender resultar reparador. La propuesta, navegando entre ritmos de americana con tonalidades dream pop, resuena con un plus de sensibilidad añadida, una vuelta de tuerca más a su ya de por sí elevado baremo de delicadeza.

Uno de los mejores álbumes del 2021 de publicación nacional (España), y para mí, un descubrimiento.

Video del tema “Pictures”:

Tracklist:

1. Easy
2. Pictures
3. These Roads
4. You're With Me Everywhere I Go
5. Summer Never Ends
6. How to Make You Love Me
7. Demons
8. Take Me Back Where I Belong
9. Hotel Room 609
10. Wild Beast

El periodo de actividad de esta banda española fue corto, pero su impacto todavía resuena a través de las nuevas generaciones de grupos de rock nacionales. Con tan solo tres discos de estudio y dos directos, consiguieron forjar un legado que mantienen intacta. Hablo de…

Leño (Banda rock español)

 
Fue un grupo español de rock-duro creado en 1978 en Madrid.

La banda estaba formada por Rosendo Mercado como guitarrista y vocalista, Chiqui Mariscal como bajista y Ramiro Penas como batería. Cuando empezaron a grabar su primer disco "Leño", Chiqui Mariscal dejó la banda y entró Tony Urbano como nuevo bajista para completar la grabación. Esta formación continuaría hasta su ruptura en 1983, precisamente en su pico de popularidad.

Leño forjó su sitio en la historia del rock español. Aunque no estuvieron entre los más pioneros en interpretarlo, sí fueron parte de los grupos que lograron consolidar la escena del hard rock en España. De alguna manera a mediados-finales de los años 70 la escena aún se encontraba en su fase primeriza con pocos representantes del género en castellano y/o de bajo éxito comercial. La normalización del uso del castellano entre los grupos de rock nacionales fue una de las características primordiales del movimiento del rock urbano dentro del cual Leño fue categorizada; y en retrospectiva serían considerados como el máximo estandarte de ese movimiento en su época, así como además pasarían a ser considerados como una de las bandas más influyentes del rock español.

 

Una breve historia:

Tras finalizar el servicio militar obligatorio en 1975, Rosendo participó grabando el primer disco de otra banda legendaria española "Ñu". Juan Carlos Molina y él no se llevaban muy bien, así que Rosendo dejó el grupo en 1977 y formó "Leño", tocando la guitarra y cantando. Chiqui Mariscal (bajista) y Ramiro Penas (batería) también dejaron "Ñu" para unirse a él en "Leño".

Hicieron su debut en 1978, como banda de apoyo en un concierto de "Asfalto". En 1979 publicaron su primer disco, titulado "Leño". Durante la grabación Mariscal abandonó el grupo y fue sustituido por Tony Urbano.

En 1980 publican su segundo disco, "Más madera", las canciones eran más cortas y tienen un estilo más ligero, se buscaba tener más acceso a la radio "comercial". El último disco oficial de Leño, "¡Corre, corre!", se hizo con más recursos, gracias al éxito del anterior. Fue grabado en el estudio de grabación de "Ian Gillan" (Deep Purple) ubicado en Londres, con la producción de Carlos Narea. La intención era alcanzar prestigio tanto dentro como fuera de España pero cuando las críticas evaluaron el álbum, el resultado fue espantoso. Algunos de ellos - los medios anglosajones - afirmaron que era imposible calificar el álbum debido al idioma. Más tarde, en 2012, el álbum se ubicaría en el puesto #19 en la lista de los "50 mejores álbumes de rock español" de la revista “Rolling Stone”. En el otoño de 1983, en su mejor momento de éxito, el grupo decide separarse.

La discografía de álbumes de estudio:

• Leño – 1979
• Más madera – 1980
• ¡Corre, corre! – 1982

El disco con más esencia del rock n roll urbano y con acento español es el debut del mismo nombre. Un clásico. Sin embargo, con toda la controversia sobre sus aspectos más "pop", el segundo álbum "Más madera" es ahora considerado uno de los grandes trabajos del rock nacional.

Álbum: Más madera

El segundo álbum de estudio y fue grabado en marzo de 1980, producido por Teddy Bautista y publicado por "Chapa Discos" ese mismo año.

Un álbum problemático por el uso (exagerado) de sintetizadores (estaba de moda el "new wave") y otros elementos (teclados, producción y arreglos de Teddy Baustista) más "pop", algo impensable en el primer álbum. Es obvio que la estrategia de la discográfica era abrir un poco "el melón" para que "Leño" pueda llegar a más gente, ser más accesible, e importante en su día, poder sonar en la radio (comercial). Esto hizo que la banda se sintiera muy incómodos con estos "nuevos sonidos", y digamos, formas de producir "su música". La verdad es que al final independientemente del mal sabor de boca que dejó la producción con los miembros de "Leño", parieron un muy buen disco de rock español, con buenos temas que después llegaron a sonaron hasta la saciedad en los ambientes rockeros de las ciudades y los pueblos. Se convierto en la banda sonora de la primera generación de rockeros nacionales post-dictadura de España. Algunos temas de este disco terminaron siendo unos auténticos clásicos e himnos del rock español, como “Si señor, sí señor”, “Sin solución”, “Cucarachas” o “La noche de que te hablé”.

El álbum comienza con sintetizadores que pueden despistar al fan tradicional de la banda. Por lo demás, es puro "Leño", la voz desgarradora de Rosendo, sus inconfundibles punteos de guitarra y una gran sección rítmica a cargo de Tony  Urbano y Ramiro. Algunos de los más míticos temas de Leño, y por ende, del rock español, se encuentran aquí. Y todos los temas de este álbum son realmente buenos. 

Las canciones de este disco son cortas, ninguna llega a los 4 minutos, en contradicción con los largos desarrollos del primer álbum. Se supone por la razón de la escena de la "Nueva Ola" de la época: más inmediatez, más melódico, más pop. Rosendo alcanza cotas excelsas como compositor: algunas de sus mejores letras están en "Más Madera", y desde luego son composiciones en general más complejas en lo melódico y en lo lírico tanto de su época de "Leño" como después en solitario. Y además, demuestra de nuevo lo bueno que es como guitarrista.

En definitiva, un disco recomendado y uno de los álbumes históricos del rock español, sin un solo tema de relleno, algo realmente difícil de encontrar. Y aun así, te hace pensar lo que hubiera podido ser este álbum con una mejor producción, más recursos y quizás siguiendo la línea más rockera del primer álbum. En fin, un producto de su época, en una España convulsa, experimental y abierta a todo de afuera para incorporar a la cultura. Era inevitable el choque entre "lo autóctono" y "lo forastero", y al final los resultados no eran tan malo.

Para el fan de rock español, la escucha es casi obligatoria. Para los lectores jóvenes y los hermanos de fuera de España, un disco que merece el tiempo para descubrir y escuchar. Las letras de los temas son simplemente geniales.

Video del tema "¡Sí señor, sí señor!":

Tracklist (formato LP) - las canciones: 

- Cara A -

1.         "Insisto"           3:15
2.         "¿Dónde está la salvación?"      3:56
3.         "Sin solución"   3:04
4.         "No voy más lejos"      2:57
5.         "Como debe ser"         2:19

- Cara B -

6.         "¡Sí señor, sí señor!"     2:18
7.         "Cucarachas"   2:49
8.         "La noche de que te hablé"       2:59
9.         "Calendario"     3:25
10.       "Apágalas"       2:31
11.       "Lo que acabas de elegir"         2:20

Cuando lees de una banda que acabas de descubrir comentan que el garage-blues-punk es su estilo musical y que han sido influenciados por grupos como The Black Keys, The Cramps, Jon Spencer Blues Explosion, R.L Burnside...etc., yo tomo nota. Y si añades a esto que son producto nacional, más me anima la curiosidad. Después de investigar sobre ellos y escuchar su material sonoro a disposición me he quedado impresionado y voy a dedicar a los chicos un espacio. Hablo de…

Thee Blind Crows (Banda)

Comenzaron como un dúo - Alberto "Al" (voz y guitarra) y Diego "Dddelirio" (bateria) - y después de más de 10 años de curro se han posicionado como uno de las formaciones más interesantes del panorama blues rock nacional en los últimos años. Su música surge de una convergencia entre el blues y el punk. Es más, he leído al baterista Diego mencionar en entrevistas que buscan siempre mantener en todos sus trabajos una música de válvulas saturadas, fuzz, delay, distorsión en la voz y con mucha energía en la batería. Sus canciones son simples, intentan eliminar todo lo superfluo y que quede lo básico, bases marcadas y riffs pegadizos: “Es a lo primitivo, a lo básico”, comenta.

Una breve historia:

Formación española de Pontevedra (Galicia) formada en 2008 que fusionan la crudeza del blues más primitivo con la rapidez y contundencia del punk rock, todo ello aliñado con un sonido garaje. Inspirados inicialmente por otras bandas como The Black Keys, The White Stripes o Flat Duo Jets e influenciados por los Sonics, MC5, The Cramps o Link Wray, los dos componentes y fundadores, "Al" y "Dddelirio" comienzan su carrera en 2008 para después en 2018 añadir un tercer miembro, Samu, al bajo. 

Hasta la fecha han publicado diversos trabajos en formato single, EP y LP, destacando entre ellos el debut álbum "Too Blues To Be Punk, Too Punk To Be Blues" de 2012 y el siguiente "Primitive Loud Blues" de 2014. El 2019, ya como un "trío" con Samu, publican el álbum "Death Awaits Us All".

Discografía de álbumes - LP - hasta el momento:

• 2012 Too Punk to Be Blues Too Blues To Be Punk
• 2014 Primitive Loud Blues
• 2019 Death Awaits Us All

 2019 Live At Mardi Gras ‎(Live)

Escuchando su oferta musical tengo que decir que mola, los chicos viven musicalmente su pasión por el blues, garage y punk rock. Pensando en un disco que puede servir para introducir a los chicos de "Thee Blind Crows" a alguien que no los conoce, me ocurre proponer un EP, un trabajo de 4 temas y de diez minutos que capta la esencia de la banda, el EP "Back from the Cave".

EP: Back from the Cave

  
Es un EP (formato vinilo) publicado el 10 de junio de 2016. Grabado en directo en cinta analógica en cuatro horas en "A Ponte Studios (Roxos)" el 8 de marzo de 2016, y masterizado por Jim Diamond (Left Lane Cruiser, White Stripes, Jon Spencer Blues Explosion …). Cuatro canciones de auténtica descarga de adrenalina, de punk visceral con alma blues, o como comentan los chicos en entrevistas, “Bad blues for punk people”. Me parece una gran definición, no solo de este EP sino de la oferta musical de "Thee Blind Crows".

Abren el EP - la cara A - con “Like a Storm”, un tema que ruge una guitarra poderosa construyendo un riff estilo punk, entre detalles de "swampy" blues,  apoyada por la no menos contundente batería. Un tema que te deja con la sensación de haber descubierto algo grande. Le sigue, “Voodoo Rhythm”, es otro tema sólido que combina melodía y ritmo y que provoca en el oyente un impulso para "mover el esqueleto", hay swing.

En la cara B nos ofrecen “Mass of Muscles”, una descarga de electricidad a cargo de una guitarra endemoniada con el ritmo de la imperturbable batería. Aquí sí que me recuerdo mucho de los americanos "The Black Keys". Los chicos cierran el EP con, “Do the Jungle”, tema con gritos y recorridos salvajes que transmiten esa oscura pasión frente a lo desconocido, aunque no menos excitante.

Un EP recomendado. Una obra corta e intensa que sirve perfectamente como tarjeta de introducción a la banda. Me mola mucho la portada y el diseño, le da un toque "tex-mex" y "bluesy" que les define bien. Si te gusta lo que escuchas, puedes lanzarte después a escuchar su material por la web. El debut álbum "Too Punk to Be Blues Too Blues To Be Punk" de 2012 es muy bueno, mientras el álbum "Death Awaits Us All" de 2019 ya tiene la formación como un trío.

En fin, esta bien para ser producto nacional, y se escucha la pasión por la música en los chicos. Además si te gusta el blues y el garage, te van a gustar. Pongo un enlace hacia su página de "Bandcamp" para darte un empujón para explorar y descubrir más música de estos rockeros gallegos.

Video del tema "Do the Jungle":

Tracklist de EP:

A1. Like a Storm 00:00
A2. Voodoo Rhythm 01:45
B1. Mass of Muscles 03:41
B2. Do the Jungle 05:44

Exquirla (Proyecto Musical)

La belleza en la música surge muchas veces por fusionar estilos que de antemano parecen opuestos. Y si además añades la coincidencia, o si prefieres el destino para los más románticos, aparecen unas obras extraordinarias.

Es el caso de la banda post-rock española TOUNDRA y el cantaor de flamenco EL NIÑO DE ELCHE. Después de compartir cartel y conocerse en un festival en Cádiz decidieron unir fuerzas y crear el proyecto EXQUIRLA, una banda que graba y publica el álbum “Para Quienes Aún Viven”. Un trabajo que líricamente viaja a través de poemas de “Enrique Falcón” que plasmó en el libro “La marcha de 150 millones”. Una obra literaria donde refleja los elementos más intensos de la naturaleza humana. La fusión de la letra (palabra) con la intensidad de la música rock y la pasión del flamenco hace que  el disco “Para Quienes Aún Viven” sea uno de los mejores lanzamientos nacionales de los últimos años.

La música española en términos generales – siempre hay excepciones – siempre me ha padecido mediocre y una copia muchas veces mal hecha de lo que ocurre fuera. El caso de “Exquirla” (como muchos otros, no me malinterpretes) es una excepción que trasciende fronteras y se hace universal. Dicho esto, también se sufre localmente una falta de poder reconocer lo excepcional cuando vas a un Festival de Música (DCode) y ves que una banda normal (aunque popular) domina el escenario principal con una audiencia enorme, mientras “Exquirla” está puesto en escenario pequeño, casi marginado, con solo cientos de personas. Es una característica muy español, no apreciar (o dar importancia) a lo realmente bueno.

Retomamos este álbum que pienso puede ser de mucho interés para el lector fuera de España. Antes conocemos un poquito a los protagonistas: la banda Toundra y el artista flamenco “El Niño de Elche”.

Toundra (Banda)

Toundra es una banda de rock instrumental formada en 2007 en Madrid por cuatro amigos procedentes de la escena post hardcore: Víctor, Alberto y Guillermo (previamente en “Nacen de las Cenizas”) y Esteban, de "Ten Minute Man". En septiembre de 2008, Guillermo dejó la banda y Alex (de"Gone with the Pain") y en junio de 2013, el guitarrista Víctor García-Tapia decidió abandonar el grupo y fue sustituido por el guitarrista de "Adrift", David Maca. ​

La música de Toundra se engloba dentro del post-rock de carácter instrumental, con parecido a bandas como "Explosions in the Sky" y "Mogwai". La banda ha trabajado mucho para llegar a ser reconocidos tanto en España como por toda Europa, machacándose en todos tipos de Festivales y conciertos. Su propuesta en directo es para vivirlo, te sorprenderá el nivel y entenderás cómo han podido trascender fronteras.

Personalmente me parece uno de los proyectos más interesantes del panorama rock español. Una banda que efectivamente tiene su leal base de fans pero merecen más reconocimiento de los medios más generalistas.

La discografía de Toundra hasta ahora:

•  Toundra (2008)
• (II) (2010)
• (III) (2012)
• (I) (2013)
• (IV) (2015)
• Vortex (2018)
• Das cabinet des Dr. Caligari (2020)

 

El Niño de Elche (Músico)

Francisco Contreras Molina, conocido como El Niño de Elche, es un músico especializado en música flamenca. Un artista revolucionario que ha sido criticado por la "ala" más purista del flamenco. Vamos a estar ajenos del debate ya que es más viejo que "matusalén" y ocurre en muchos otros estilos musicales. El hecho es que "El Niño de Elche" aporta creatividad, ideas e innovación a la música española, y para mi pensar, al flamenco que precisamente necesita estar constantemente evolucionando, en particular para las nuevas generaciones.

Nació en Elche (Alicante) en 1985, en el seno de una familia procedente de Granada. Comenzó su trayectoria como cantaor de flamenco a una edad muy temprana y pronto comenzó a interesarse por otros ámbitos artísticos, como el Hip Hop, performance y por el activismo social.

La crítica afortunadamente le considera uno de los mayores renovadores actuales del flamenco, mezclando con otros géneros musicales como el jazz o electrónica, además de la danza, poesía y artes audiovisuales. No es extraño ver "El Niño de Elche" en colaboraciones con otros artistas, músicos y bandas; ejemplo el cineasta Isaki Lacuesta, el bailarín Israel Galván, la banda "Los Planetas" y últimamente con el músico C. Tangana.

La discográfica hasta ahora:

En solitario:

• Mis primeros llantos (2007)
• Sí, a Miguel Hernández (2013)
• Voces del extremo (2015)
• Calle de Arriba, 73 (2015)
• Antología del cante flamenco heterodoxo (2018)
• Colombiana (2019)
• La distancia entre el barro y la electrónica. Siete diferencias valdelomarianas (2020)

Con "Los Planetas"

• Fuerza nueva (2019)

Como “Exquirla” (Toundra)

• Para quienes aún viven (2017)

 

ALBUM: Para quienes aún viven

Es el álbum de estudio de la banda Exquirla publicado el 17 de febrero de 2017. Un proyecto musical formado por los miembros de la banda de rock instrumental Toundra y el cantante de flamenco El Niño de Elche. La colaboración para formar Exquirla comenzó en "El Puerto de Santa María" (Cádiz) a raíz de conocerse en el Festival Musical "Monkey Week" de 2015.

El aspecto lírico del álbum se extrae del poema "La marcha de los 150 000 000" del poeta valenciano Enrique Falcón, un poeta que saca a la luz el conflicto, la literatura activista, el realismo crítico y la complejidad de la naturaleza humana. Se puede decir que Falcón es un "tercer miembro" de este proyecto ya que estuvo muy involucrado llegando a adaptar fragmentos de su poema a la actualidad (fue originalmente escrito en 2002); el ejemplo más claro es el tema "Canción de E" prestando su voz.

El resultado de esta colaboración, o mejor dicho la fusión de estilos musicales y poesía es una obra extraordinaria de arte ambiciosa y llena de auténtica belleza: lo mejor del rock experimental y la vanguardia flamenca. Estilos musicales a primera vista que parecen opuestos pero en realidad se complementan muy bien. Claro está, se necesita el talento de Toundra y El Niño de Elche para conseguirlo, pero una vez más la música bien hecha nos enseña que es universal. No obstante, la apuesta es arriesgada, habrá oídos poco acostumbrados a tanta fusión y como siempre puristas de ambos bandos para criticarlo. Además surgen los debates sin sentido: ¿Cantante o cantaor? ¿Rock, Post-Rock, Rock Art? ¿Fusión? …que más da: digamos que es belleza, imaginación, valor y algo excepcional.

El álbum dura 55 minutos distribuidos en ocho canciones. En la mayoría la atmósfera es instrumental de estilo post-rock. Encontraras momentos estelares en "Canción en E" que abre el disco con un planteamiento desafiante invitando a entrar a algo muy especial. Sigue "Destruidnos Juntos", pieza estrella, con un lírica y poesía que te desnuda el alma. Los temas "Un Hombre", "Interrogatorio" y  "Europa Muda" (visiones de sufrimiento y dolor humano por los procesos migratorios donde muchos se ahogaron intentando entrar en Europa) gustara mucho a los fans del post-rock por su carga instrumental. Y si busca un tema con traca, “Hijos de la rabia” con sus 9 minutos te dejará KO. En general, un impresionante álbum que en el fondo es triste y lleno de dolor, ya que es esencialmente una crítica social de los "males" de nuestros tiempos. Lo que me alucina es la belleza y la espiritualidad (gracias en parte al cante de "El Niño de Elche" que abre su alma) que transmite este álbum.

Un disco recomendado. Uno de los mejores álbumes de rock experimental (fusión) de los últimos años de la escena española. Una obra que fusiona dos estilos musicales que demuestran ser universales, y dos talentos - una banda y otro, un artista - que están a niveles sobresalientes.

Si eres un lector de fuera de España quizás te impacte más solo por el desconocimiento inicial y relativo de los protagonistas y en cierto modo de los estilos. Localmente muchos reconocen que es un gran disco, aunque relativamente pocos. Este proyecto, sus autores y este álbum necesita más escucha, exposición y reconocimiento. Es una obra de mucha ambición que consigue ser un álbum de escucha obligatoria. Un álbum valiente, profundo y honesto.

Video del tema “Europa Muda”:

Tracklist del álbum:

1.        “Canción de E”             3:05
2.        “Destruidnos juntos”     8:58
3.        “Hijos de la Rabia”      9:00
4.         “Interrogatorio”            1:40
5.         “El grito del Padre”      8:50
6.         “Contigo”         3:22
7.         “Un hombre”    10:05
8.         “Europa Muda” 10:22

Voy a dar espacio a un álbum singular, y especial, por ser grabado por miembros de unas grandes bandas del "Indie-Rock" castellano y por homenajear a uno de los grandes del "flamenco".  Pocas veces ves una alineación tan bien pensada y más adecuada donde se añade valor, una nueva óptica, complementa el espíritu del homenajeado y fusiona diferentes estilos musicales que a primera vista parecen opuestos.  

Primero hablamos del homenajeado...

ENRIQUE MORENTE (Cantaor de flamenco)

Enrique Morente Cotelo (nacido Granada: 25 de diciembre de 1942 - 13 de diciembre de 2010), conocido como Enrique Morente, fue un cantaor de flamenco y una figura "controvertida" dentro del mundo del flamenco contemporáneo. Tras sus inicios ortodoxos, se sumergió en el experimentalismo, escribiendo nuevas melodías para el cante y tocando con músicos de todos los estilos, sin renunciar a sus raíces en el cante flamenco tradicional, que siguió cultivando. A pesar de las severas críticas de los más "puristas", fue quizás el cantaor de flamenco contemporáneo más influyente, que no solo innovó, sino que también se podría decir que creó tradición: algunos de sus cantes han sido interpretados por otros cantantes como Camarón de la Isla, Mayte Martín, Carmen Linares, Miguel Poveda, Segundo Falcón y Arcángel.

LOS EVANGELISTAS (Banda)

En 2010 murió Enrique Morente, y provocó multitud de tributos en torno a su figura. Surgió la idea de que sus "discípulos" granadinos (Granada) del "Indie-Rock" preparan algo interesante. A raíz de una proposición para un homenaje a Enrique Morente en la cuarta edición de "La Noche Blanca del Flamenco de Córdoba" (18 de Junio 2011), Antonio Arias (de la banda de "Lagartija Nick") y J (de la banda "Los Planetas") quisieron ir más allá, y junto al también guitarrista Florent y al baterista Eric Jiménez ("Los Planetas"), crearon "Los Evangelistas" para dicho tributo.

ALBUM: Homenaje a Enrique Morente

Presentado en el acto - "La Noche Blanca del Flamenco de Córdoba" - los 12 temas de Enrique Morientes elegidos e interpretados por "LOS EVANGELISTAS" fue un gran éxito y la banda se vio obligada a ir al estudio para grabar todo el set con Martín “Youth” Glover (KILLING JOKE) de productor y con las colaboraciones vocales de "Carmen Linares" y "Soleá Morente". El resultado es el álbum publicado en 2012, un disco en el que se reinterpretan 12 temas de Enrique Morente reviviendo su homenaje. El resultado final es tan sorprendente e impresionante como controvertido (para "los puristas" del flamenco). Completamente opuesto a lo que alguien podría parecer, la banda recrea y plasma un homenaje lleno de "ruido" de guitarra eléctrica de varias capas, ritmos de Rock y voces oscuras.

Es un disco con atmósfera de catedral, de retroalimentación y fuzz. El tema de apertura de seis minutos "Gloria" ya nos avisa de las intenciones y nos presenta una obra sublime. Originalmente llamado "Misa Flamenca" suena con guitarras de Rock épicas, casi barrocas y tejen una red alrededor del oyente. Junto con esta atmósfera, el resto de los temas elegidos son más complejos. Suenan a principio simples, pero la música tarda en llegar lentamente hasta el clímax.

En las 12 cuidadosamente elegidas canciones, "Los Evangelistas" traducen la herencia de Morente - y en cierta medida "del flamenco" - en actos de guitarra psicodélicos de los años 90 recordando a "Spacemen 3". Otra vez más vemos que "la fusión" es posible, nada es necesariamente escrito en piedra, el arte no tiene porque tener fronteras y precisamente es moldeable. Un ejemplo de esta flexibilidad y poder de evolución, es la preciosa canción "Delante de mi madre", que está reinterpretado con la voz de "Carmen Linares", una flamenca 100% y veterana que canta la letra como un mantra arrullado por un colchón de guitarras multicapa y distorsionadas, electrónica y de percusión. Una maravilla.

Un disco recomendado, y francamente único. Para los fans del "Noise Rock" y "Rock Alternativo español" - y no español - es una obra sorprendente. Además, pienso que el fan de "World Music" sin tener que entender el español, le va a gustar. Es un álbum que cumple con su objetivo y con su título, homenajear a un maestro del flamenco que se atrevió experimentar para buscar nuevas vías de enriquecer su arte y participar en su continua evolución. Este álbum también hace otra importante y gran labor, introduce "el flamenco" y al artista-músico "Enrique Morente", a un público que quizás nunca había escuchado "el flamenco" antes, y ni sabían quién era Enrique Morente. Quien sabe, conociendo ahora de la existencia de este disco, su historia y después de escucharlo, abrirá otro horizonte musical para explorar, investigar y disfrutar. Una filosofía, y el objetivo principal, que encaja perfectamente con este blog.

Video de "Delante de Mi Madre" con Carmen Linares:

Tracklist del álbum" "Homenaje a Enrique Morente:
01. Gloria
02. Decadencia
03. Serrana de Pepe de la Matrona
04. En un sueño viniste
05. Encima de las corrientes
06. Delante de mi madre
07. Yo poeta decadente
08. La estrella
09. El loco
10. Amante
11. Alegrías de Enrique
12. Donde pones el alma

Melenas (Banda)

Banda española de Indie-Pop formado en 2016 en la ciudad de Pamplona. La formación es de cuatro chicas con mucha ilusión: Oihana (guitarra, teclados y Voz), Leire (bajo), Maria (keyboard) y Lauri (batería). Parece que las chicas van muy en serio y no han parado estos ultimos años para ganarse un sitio en el mundo complicado del Rock N Roll y del circuito "Indie". Se han ganando su credibilidad y reputación tocando incesantemente, tanto a nivel nacional (en grandes Festivales como Primavera Sound, Bilbao BBK, FIB, etc.) como internacionales (como SXSW, Eurosonic, Indietracks, etc.). Impresiona.


La música de MELENAS es una mezcla de pop, punk, garage y psicodelia (jangle). Un Pop con reverb, brillantes melodías, sección rítmica potente, teclados envolventes y letras ensoñadoras. Muchos de sus sonidos me recuerdan de los gloriosos años del Rock de los 70 y 80 (Siglo XX) y aprecio la inyección de lo moderno y el optimismo de juventud.

Acaban de publicar su segundo disco titulado "Días Raros" por el sello americano "Trouble In Mind" de la ciudad de Chicago. Precisamente las chicas me llegan por esta vía (noticia),  y despues de escuchar su nuevo trabajo, me gusta.

Ya se sabe, no me entra fácilmente el Rock español. Los lectores habituales habrán leído ya que lo "nacional" me parece todo igual, sin innovación y aburrido...en su mayoría. En vez en cuando surge algo que me llama la atención, y pienso que MELENAS es un pop fresco que intenta recuperar sonidos del pasado para impregnar con lo moderno. Las chicas golpean con inmediatez con cada tema con su mezcla de garage-pop y elementos de dream pop lisérgico, indie rock melancólico y sonido jangle. Mola.

Me apetece echarles un cable de apoyo. No soy, ni este blog es la ostia pero quiero poner otro granito de arena para ayudar poder construir sobre la ilusiones de la chicas y apoyarlos con su música.

Hasta el momento tienen dos álbumes de estudio:

2017 Melenas
2020 Dias Raros

ÁLBUM: Días Raros

Segundo álbum publicado Mayo de 2020 lanzado por el sello americano "Trouble In Mind". Es significativo este ultimo punto, parece ser que hay más interés y oportunidades fuera de España. Lo que me llama la atención de este álbum es la tremenda frescura Pop, todo salteado con influencias Garage-Rock e Indie, ofreciendo temas con buenas melodías que enganchan.


Investigando un poco para saber más sobre las chicas y lo que piensan, hay publicado comentarios por ellas que dicen que este disco es introspectivo; un viaje dentro de sí mismo pensando en deseos, sueños, recuerdos, obsesiones o miedos. No obstante, el álbum tienen una cualidad optimista, y en especial veraniega que va ayudar mucho para hacer llegar su música a más público estos meses.

Es un disco de 11 canciones que me recuerdan a THE PASTELS y THE SHOP ASSISTANTS, puntos a su favor. Además siguen ganando puntos teniendo todos los ingredientes que personalmente me mola: sonido Rock "retro" y garage impulsado de brillantes melodías de jangle que te animan a seguir al ritmo propulsado por guitarras y energía power-pop. Es un disco que entra facil y es agradable para escuchar. Se palpa la ilusión y ambición de las chicas en este disco, se aprecia que están buscando su propio espacio e identidad, y eso vibra por todo el álbum.

Un disco recomendado. Buscarlo en la plataformas online habituales de streaming para escuchar este álbum y el material que tienen disponibles. Mucha suerte a MELENAS, potencial hay, y este disco mola.


PD. Chicas si alguna lee esto. Necesitáis una buena biografía disponible en Internet para que la gente que se cruce con vosotras pueda tener información sobre la banda. No hay excusa no tener todas las herramientas disponibles online para promocionarse. Es un mundo muy competitivo y muchas buenas bandas se quedan en el camino. Hacer facil que os conozcan.

Video de la cancion "En Madrid":



Tracklist del álbum "Días Raros":
1.Primer tiempo 04:19
2.No puedo pensar 03:03
3.29 grados 02:33
4.Despertar 03:14
5.El tiempo ha pasado 04:32
6.Los alemanes 03:05
7.3 segundos 03:10
8.Ciencia ficción 02:44
9.En Madrid 03:55
10.Ya no es verano 02:47
11.Vals 03:28

Voy hacer algo diferente hoy y escribir sobre una banda española. Los lectores habituales de este blog quizás ya saben que no siguió mucho la escena musical local. En general pienso que ofrece poca innovación, casi todo suena igual y se sobrevalora mucho en parte por la mercadotecnia. No obstante, sí que tengo unos grupos españoles en mi lista de favoritos,  y para seguir, incluso tengo sus álbumes y les escucho con regularidad; ejemplos son "Viva Suecia", "McEnroe", "Supersubmarina", "Love of Lesbians", "Surfin´Bichos...etc., y "Triángulo de Amor Bizarro". Voy hablar de ellos, me parecen un conjunto fuera de serie.

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

Una banda española de la región de Galicia formada en 2004. Su oferta musical es variada pero esta casi todo dentro del Indie-Rock, Post-Punk y incluso la Psicodelia.


El grupo se formó en la ciudad de A Coruña (hay miembros de "A Coruña" y otros de "Barbanza"), una localidad con tradición de lanzar buenas bandas "Indies" gracias a un circuito, cultura y ambiente que ayuda promocionarlo.

Toman su nombre de banda de la canción "Bizarre Love Triangle" de New Order, y uno lo entiende escuchando su música y el impacto de bandas como "Joy Division" han tenido sobre ellos. Antes de grabar su primer álbum, "Triángulo de Amor Bizarro" grabó dos demos autoproducidas que llegaron a las semifinales del "Proyecto DEMO del Festival Internacional de Benicàssim" dos años consecutivos en 2004 y 2005. En sus inicios, la banda era un cuarteto, Isabel Cea, Rodrigo Caamaño, Rafael Mallo (antes Juan Ulpiano) y Rubén Muñoz, se han unido e ido otros musicos durante el tiempo.

La discografía de Triángulo de Amor Bizarro es excelente, por el momento tienen cinco discos y un EP:

• Triángulo de Amor Bizarro (2007)
• El Hombre del Siglo V (2007)
• Año Santo (2010)
• Victoria Mística (2013)
• Salve Discordia (2016)
• El Gatopardo (EP, 2018)

Quiero resaltar un álbum de esta lista, "Año Santo" de 2010. Un pedazo de álbum, muy roquero que me sorprendido por su calidad.

ALBUM: Año Santo

Es el tercer álbum de estudio publicado en 2010 y producido por Paco Loco que logra un sonido "Post-Punk" de los años 80 del Siglo XX. Un repertorio de canciones desenfadados a base de muros de sonidos que no ahogan a las voces y potencian un bajo impresionante de Isabel Cea. Hay mucho Rock en este disco, y del bueno.


Tenían un reto los chicos Gallegos, superar el álbum anterior "El Hombre del Siglo V" publicado en 2007 que rozaba "la perfección". Creo que con "Año Santo" lo consiguen y a la vez sorprenden,  otro plus que da más puntos a este trabajo. Es en resumidas cuentas un disco crudo, oscuro y te zurra; tres palabras que se me ocurren y todo en solo media hora de un sonido brutal.

Un disco recomendado, ruidoso y de voces ahogadas con canciones que son muy buenas. Aquí escucharás un sonido "Indie" sucio y desgarrado; algo relativamente sorprendente para ser una banda española. Si fuera un disco de una banda britanica estaríamos hablando sobre una obra referente del "Indie-Post-Punk", un clásico.

Video de la canción "De la monarquía a la criptocracia":



Tracklist:
1 De La Monarquía A La Criptocracia
2 Amigos Del Género Humano
3 La Malicia De Las Especies Protegidas
4 El Radar Al Servicio De Los Magos
5 Super Castlevania IV
6 Muchos Blancos En Todos Los Mapas
7 El Culto Al Cargo O Como Hacer Llegar El Objeto Maravilloso
8 El Baile De Los Caídos
9 Año Santo

• "Konfusional" (LP) (Yo Gano, 1996)
• "Los pájaros no pueden vivir en el agua porque no son peces" (LP) (Zona Bruta, 1998)
• "La gran obra maestra" (Maxi) (Zona Bruta, 1998)
• "Frankattack" (LP) (Zona Bruta, 1999)
• "90 kilos" (LP) (Zona Bruta, 2001)
• "Sonrían por favor" (LP) (Zona Bruta, 2006)
• "Frank t Presenta" (mixtape) (Universal Music, 2008)
• "Soy una tostadora" (LP) (Zona Bruta, 2010)
• "Los negros también iremos a la luna" (LP) (Warner Music) (2016)

• Productor de artistas-conjuntos de "música urban" como  SFDK, Zenit, Shuga Wuga, El Chojin, La Excepción o Arianna Puello,
• Presentador de Radio, en Radio 3 (Radio estatal): "El Rimadero" con Jotamayúscula y ahora con el programa "La Cuarta Parte",
• Periodista y crítico musical en medios especializados.